LO QUE NO SE DEBE HACER ENGAÑAR

AVIS O EL TRUCO DEL ENGAÑO AL CLIENTE:

Hoy toca hablar de compañías de alquiler de coches, y más concretamente de AVIS que como conocéis es una multinacional de largo recorrido, pero ... vais a comprobar que no de buena atención, y que desde este momento os recomendamos no utilizar.

La historia que os vengo a contar hoy es una historia que por repetida no deja de ser de las que enrabietan por la impotencia que genera, ya que he escuchado en varias ocasiones episodios muy parecidos y que finalmente tienen difícil solución, salvo que la compañía tenga un claro enfoque de atención al cliente, lo cual como veréis no sucede en este caso.

Voy a trasncribiros, como he hecho en otras ocasiones, la historia tal como la ha escrito Rogelio en su blog , y que lleva por título "AVIS me robó 300 dólares" y así vosotros podréis juzgar si es o no irritante lo ocurrido. A mi me personalmente estas situaciones me enrabietan enormemente. ¿Y a ti?


No suelo usar mi blog para denunciar "problemas personales", pero este temilla lleva ya cociéndose más de 7 meses y no veo ninguna pega en contárselo a los amigos... Y a los que vayáis con prisa o no os apetezca leer este ladrillete, quedaros con la copla de que si algún día necesitais alquilar un coche, mi consejo es que no useis Avis.
En mis viajes a España, suelo aterrizar en Madrid y de ahí cogerme un coche alquilado hasta Murcia. Podría tomar otro avión, pero tras la paliza, de hecho el viajecito me resulta hasta agradable, estando yo ya en control, haciendo paraditas por algún bar, etc. De regreso a los USA hago exactamente lo mismo: coche de alquiler de Murcia a Madrid y de ahí ya todo en avión hasta San Francisco.

Cuando estuve en España este verano pasado, la empresa que usé para alquilar el coche fué Avis. Bien, pues ahí que cogí el coche en Murcia, viajecito a Madrid, hacemos noche (corta) en el hotel, y a eso de las 5am para Barajas. Dejo el coche en el aparcamiento de Avis, las llaves en el buzón (porque a esa hora no hay nadie) y listos...

Hasta que varios días más tarde aparece en mi tarjeta de crédito un cargo de más de 450 dólares, de los amigos de Avis. Eso, por un coche normalito (nada de Mercedes o BMWs), solo un día de alquiler (con kilometraje ilimitado y devuelto lleno de gasolina), y con una tarifa acordada incialmente en apenas 100 dólares.

Tras las llamadas de rigor se me informa que el coche presentaba un pequeño arañazo en uno de los laterales. Arañazo que nunca ví ni se me mostró cuando examiné el coche al cogerlo, y que de hecho, nunca he llegado a ver. El coche lo devolví exactamente igual que cuando lo cogí. Conmigo no recibió ni una caricia en los parachoques. Nada.

Lo mejor de todo no es eso, sino que además, el coche fué originalmente reservado con seguro a todo riesgo, pero durante mi estancia en Murcia tuve que cambiar de oficina de recogida, y en ese proceso, la persona que realizó el cambio, en lugar de cambiar la oficina, canceló mi reserva e hizo una nueva, pero sin aplicar el seguro. Por supuesto, sin que yo supiese nada, faltaría más. Me cambió la tarifa que de hecho salía un pelín más cara del precio que yo originalmente obtuve con Avis USA - pregunté al respecto y la respuesta fué que al ser una oficina diferente, salía un poco más caro. Vale, bien.

A la hora de intentar resolver el incidente, el servicio de atención al cliente de Avis en España ha resultado ser un atajo de incompetentes, donde tú como cliente no vales una mierda, hablando claro. Igual hay gente maja en Avis, pero en mi caso, como que andaban de vacaciones. Les pides explicaciones y se pasan la pelota, les pides foto y no hay foto, les pides informe y tardan dos meses. Aparte que siempre quedará la duda de si el arañazo - que uno imagina que no se lo inventaron - sucedió entre el momento en que aparqué el coche en Barajas sobre las 5:30am y la hora en la que abrieron.

He llevado el caso al servicio de Avis en los Estados Unidos. ¡Qué diferencia! Aquí sí se molestan en atenderte lo mejor posible, pedirte disculpas y además no tienen reparos en hablar de la actuación de la gente de Avis España como si estuviesen hablando de su peor competidor. El problema que tienen es que para poder hacer algo, necesitan antes que Avis España les remita todo lo referente al caso. Eso fué en Julio del 2007 y vamos ya por Enero del 2008.

¿Qué compañía de alquiler usé en mi viaje a España estas navidades? Hertz. ¿Problemas? Ninguno. ¿Atenciones? Unas cuantas. No digo que Hertz sea una compañía perfecta, pero por ahora, no tengo queja. De hecho, en Septiembre necesité un coche de alquiler, usé Hertz (si te parece uso Avis) y ahí también se portaron de miedo, me dieron un "upgrade" doble sin pedirlo, etc. No sé si al final Avis se quedará ese dinero que me ha robado, pero se lo quede o no, es la última que les voy a dar la oportunidad de metermela de esa manera. Van ya 7 meses, pero no tengo problemas en llegar hasta el final.

Y no solo será Rogelio quien no vuelva a utilizar AVIS, ya que yo desde este momento la he incluido en mi lista negra, y la evitaré para prevenir incidencias como las que hemos leído, y de hecho esta misma semana necesito alquilar uno... que no será Avis por supuesto.

Vuelvo a haceros la misma pregunta de siempre (si, ya se que soy un pesado pero es que no puedo callarme una obviedad de este calibre) ¿Cuanto les va a costar el no haberlo resuelto amigablemente con Rogelio? Mucho, mucho , mucho dinero, pues ara empezar ese cliente le perdieron para siempre y es un cliente que habitualmente utiliza este tipo de servicios tal como nos ha explicado, pero el eco que tendrá su escrito en su blog y ahora en el nuestro, así como en todos aquellos que se hagan eco, más todos los que accedan a través de los buscadores y lleguen aquí y lo lean... una pasta enorme, que en nada se amortigua con haberle cobrado esos 300 dólares.

LOS VALORES YPROCIPIOS DEL SERVICIO AL CLIENTE

RESPETO: Es reconocer y aceptar el valor de los demás, sus derechos y su dignidad.
RESPONSABILIDAD: Cumplir con las obligaciones y compromisos adquiridos, asumiendo las consecuencias de las acciones y omisiones.

LEALTAD: Fidelidad, sentido de pertenencia y compromiso con la organización y su gente.

TRABAJO EN EQUIPO: Unión de fuerzas coordinadas hacia el logro de los objetivos. Laborar en armoní­a, acordar métodos de trabajo, comunicación permanente, clara y efectiva.

MEJORAMIENTO CONTINUO: Filosofí­a individual, grupal y organizacional que busca la excelencia paso a paso en busca de una solidez con respaldo.

SERVICIO AL CLIENTE: Atención a las necesidades y expectativas de los clientes, de tal manera que se logre un alto nivel de satisfacción.

COMPETITIVIDAD: Mantener y mejorar la calidad, el servicio al cliente y el desarrollo tecnológico, garantizando precios adecuados.
Principios de Gestión
La piedra clave de la organización de Faceo, nuestros principios de Gestión, se basan en los siguientes compromisos de nuestros equipos:

AL SERVICIO DEL CLIENTE

Rapidez en la reacción, acompañamiento, transparencia.

La finalidad del trabajo de cada uno es la utilidad de lo que hace para su cliente.

La gestión de los hombres

Trabajo en equipo, creación, competencia, cultura de servicio.

Ayudar a todos a mejorar, acompañando a los colaboradores en la realización de proyectos cada vez más difíciles.

El dominio del oficio

Optimización, competitividad, cumplimiento de la reglamentación.

Trabajar conjuntamente, obtener lo mejor de todos los conocimientos, pensar globalmente y actuar en el terreno.


NUESTRO PRICIPIOS Y VALORES


En HSBC, funcionarios y empleados compartimos los mismos principios éticos. Es de suma importancia que nuestros proveedores compartan esta misma filosofía.

Principios que deberán regir en todo momento nuestra conducta:

Integridad y justicia
Un principio fundamental para el éxito de una empresa es brindar un trato justo a todas las personas, así mismo el actuar con integridad ante todas las situaciones nos da las bases para evitar daños reputacionales.

Servicio:
Es un valor que debemos desarrollar e inculcar entre nuestros compañeros, para lograr que cada quien trabaje enfocando sus energías, su intención y entusiasmo en busca de satisfacer las necesidades del cliente.

Eficiencia:
Hacer las cosas correctamente, en el momento indicado y sin desperdicios, de esta manera optimizamos los recursos.

Excelencia:
Es el compromiso de hacer siempre mejor nuestras actividades, manteniendo una superación permanente.

No discriminación:
Es preciso ser objetivo al relacionarse con otras personas, tratando siempre con justicia a todo aquel con el que estemos en contacto (clientes, aspirantes a un puesto, colegas, proveedores, etc.).
Toda empresa debe considerar importantes estos principios fundamentales, y esforzarse por:

Contar con los más altos principios de integridad en todos los niveles
Aplicar la verdad y equidad en la labor diaria
Incluir siempre la más alta calidad en los servicios brindados
Cumplir siempre con lo establecido por las Leyes y reglamentos


Para una empresa de servicios financieros como HSBC, cuyo éxito en el mercado depende de los más altos estándares de conducta ética, estos principios y valores son especialmente importantes

En todo momento nuestros proveedores deben tener en mente lo siguiente:

Confidencialidad:
Nuestros proveedores están obligados a tratar la información que ponemos en sus manos, con estricta confidencialidad, en caso contrario se podrán hacer acreedores a las sanciones correspondientes.

Regalos de proveedores:
Las Políticas Internas de Grupo Financiero HSBC prohíben a nuestros funcionarios y empleados aceptar para sí o para terceros cualquier cosa de valor (incluidos servicios, descuentos o entretenimiento) de nuestros proveedores.

De igual forma está estrictamente prohibido aceptar regalos en efectivo, cheques o certificados de regalo convertibles a efectivo, independientemente de la cantidad.

EL ROMANTICISMO EN LAS ARTE

El término romántico se aplica con sentido descriptivo a un cierto tipo de arte, literatura y música, principalmente de principio del siglo XIX, que comparte una serie de características: individualismo, emoción abierta, dramatismo y afinidad con la naturaleza. El poeta Baudelaire lo define como “... intimidad, espiritualidad, color, aspiración hacia el infinito, expresados por todos los medios que permite el arte”. En ese sentido se le suele compara con su término opuesto, ‘clasicismo’, que por lo general se suele referir, en este contexto, a la tradición ‘académica’. Durante el siglo XVIII, la tendencia denominada ‘neoclasicismo’ se planteó, como es sabido, como una recuperación (revival) de los valores clásicos de las artes plásticas y de la arquitectura. Ese concepto implicaba tanto al arte de la Antigüedad Clásica, especialmente su escultura y su arquitectura, como a los artistas de los siglos XVI y XVII que se habían inspirado en aquellos modelos. De todas formas, la diferencia entre ‘clasicismo’ y ‘romanticismo en el arte no queda en absoluto clara, teniendo en cuenta que algunos artistas considerados propiamente ‘románticos’ como Constable o Turner, se inspiraban a su vez declaradamente en modelos clásicos.

CLAUDE GELÉE: El embarque de la reina de Saba

Un ejemplo muy ilustrativo de esto es el cuadro del pintor romántico inglés Turner titulado ‘Dido construyendo Cartago’ (1815), directamente emparentado con ‘El embarque de la Reina de Saba’ (1648) [véase], del artista barroco francés Claude ; el propio Turner exigió que ambos cuadros fuesen exhibidos juntos en la National Gallery de Londres. En la obra del francés nos encontramos con una composición rigurosamente organizada, ‘clásica’ ; hay una perspectiva simple con un único punto de fuga. El lienzo está dividido en cinco partes, formando una trama en la que se distribuyen tanto las arquitecturas como el horizonte. A Turner, por el contrario, como buen ‘romántico’, no le preocupa tanto la exactitud de las proporciones ; en si cuadro los puntos de fuga son múltiples, y la artificiosa utilización de la luz consigue transmitir la sensación de un ambiente opresivo y humano al mismo tiempo, cosa que no ocurre en el lienzo de Claude, ni tampoco se pretende.

Por otro lado, resulta prácticamente imposible delimitar el momento exacto en que acaba el ‘neoclasicismo’ y da comienzo el ‘romanticismo’, y hay autores (Goya, Beethoven, Schubert, Boullée, Blake, etc.) que fácilmente podrían adscribirse a ambos períodos de manera indistinta. En este sentido, Robert Rosenblum opta por subdividir el período ‘neoclásico’ en varias tendencias artísticas en función de las temáticas que se pueden observar en cuadros y esculturas:

EL ERTE DE LA FOTOGRAFIA

El término cámara deriva de camera, que en latín significa ‘habitación’ o ‘cámara’. La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un minúsculo orificio en una de las paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orifício proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. Aunque la imagen así formada resultaba invertida y borrosa, los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara. Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida.

300 a.c.

Aristóteles utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de sol.

Siglo XVII

Leonardo Da Vinci se da cuenta que las imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más reducido e invertido, conservando su propia forma y colores.

Siglo XVIII

La sensibilidad a la luz de ciertos compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata, era ya conocida antes de que los científicos británicos Thomas Wedgwood y Humphry Davy comenzaran sus experimentos a finales del siglo XVIII para obtener imágenes fotográficas. Consiguieron producir imágenes de cuadros, siluetas de hojas y perfiles humanos utilizando papel recubierto de cloruro de plata. Estas fotos no eran permanentes, ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía, con lo cual nunca pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes.






Cámara oscura de finales del siglo XVIII.
Diseñada para reproducciones
de paisajes, arquitectura, etc...

Siglo XIX

Este es el siglo del nacimiento de la fotografía, exactamente en el año 1816, que es cuando el físico francés Nicéphore Niépce consigue una imagen mediante la utilización de la cámara oscura y un procedimiento fotoquímico. Niépce bautiza a su invento con el nombre de heliograbados, pero no es hasta el año 1831 cuando el pintor francés Louis Jacques Mandé Daguerre realizó fotografías en planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Después de exponer la plancha durante varios minutos. Daguerre empleó vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. Estas fotos no eran permanentes porque las planchas se ennegrecían gradualmente y la imagen acababa desapareciendo. En las primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre, la plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Este proceso de fijado, descubierto por el inventor británico William Henry Fox Talbot, hacía que las partículas no expuestas de yoduro de plata resultaran insensibles a la luz, con lo que se evitaba el ennegrecimiento total de la plancha. Con el método de Daguerre se obtenía una imagen única en la plancha de plata por cada exposición.

Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. Talbot descubrió que el papel recubierto con yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, disolución que podía ser utilizada también para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo. Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en 1839. Ese mismo año John Eilliam Herschel da el nombre de " fotografías " a las imágenes fijas.

En un plazo de tres años el tiempo de exposición en ambos procedimientos quedó reducido a pocos segundos.


Título: Punto de vista desde las ventanas del Gras


"Punto de vista", así es como llama Niépce a las imágenes
obtenidas del natural para distinguir las "heliografías".
Esta es la primera fotografía que se le conoce. Año 1826



En el procedimiento del calotipo la estructura granular de los negativos aparecía en la copia final. En 1847, el físico francés Claude Félix Abel Niépce de Saint-Victor concibió un método que utilizaba un negativo de plancha o placa de cristal. Ésta, recubierta con bromuro de potasio en suspensión de albúmina, se sumergía en una solución de nitrato de plata antes de su exposición. Los negativos de estas características daban una excelente definición de imagen, aunque requerían largas exposiciones.

En 1851 el escultor y fotógrafo aficionado británico Frederick Scott Archer introdujo planchas de cristal húmedas al utilizar colodión en lugar de albúmina como material de recubrimiento para aglutinar los compuestos sensibles a la luz. Como estos negativos debían ser expuestos y revelados mientras estaban húmedos, los fotógrafos necesitaban un cuarto oscuro cercano para preparar las planchas antes de la exposición, y revelarlas inmediatamente después de ella. Los fotógrafos que trabajaban con el estadounidense Mathew Brady realizaron miles de fotos de los campos de batalla durante la guerra de la Independencia estadounidense y para ello utilizaron negativos de colodión húmedos y carromatos a modo de cámara oscura.

Puesto que el procedimiento del colodión húmedo estaba casi limitado a la fotografía profesional, varios investigadores trataron de perfeccionar un tipo de negativo que pudiera exponerse seco y que no necesitara ser revelado inmediatamente después de su exposición. El avance se debió al químico británico Joseph Wilson Swan, quien observó que el calor incrementaba la sensibilidad de la emulsión de bromuro de plata. Este proceso, que fue patentado en 1871, también secaba las planchas, lo que las hacía más manejables. En 1878 el fotógrafo británico Charles E. Bennett inventó una plancha seca recubierta con una emulsión de gelatina y de bromuro de plata, similar a las modernas. Al año siguiente, Swan patentó el papel seco de bromuro.

Mientras estos experimentos se iban sucediendo para aumentar la eficacia de la fotografía en blanco y negro, se realizaron esfuerzos preliminares para conseguir imágenes de objetos en color natural, para lo que se utilizaban planchas recubiertas de emulsiones. En 1861, el físico británico James Clerk Maxwell obtuvo con éxito la primera fotografía en color mediante el procedimiento aditivo de color.

Alrededor de 1884 el inventor estadounidense George Eastman patentó una película que consistía en una larga tira de papel recubierta con una emulsión sensible. En 1889 realizó la primera película flexible y transparente en forma de tiras de nitrato de celulosa. El invento de la película en rollo marcó el final de la era fotográfica primitiva y el principio de un periodo durante el cual miles de fotógrafos aficionados se interesarían por el nuevo sistema.

LA COMIDA DE MAR

Estamos lejos del mar. Incrustados en la cordillera de los Andes. Pero comemos más mariscos que el costeño más costeño. De modo que la proliferación de restaurantes con platos de mar es cada vez mayor. Algunos restaurantes se especializan en este tipo de comida, como La Pesquera Jaramillo, o Gostinos, por mencionar dos extremos gastronómicos. Sipán, si bien no se especializa a un ciento por ciento en la comida de mar, prepara el Ceviche Sipán, el cuál podría considerarse como el mejor ceviche peruano de la ciudad. Si quieres comerte la mejor langosta, con la preparación más alucinante y con la mejor vista de la ciudad, no dudes en ir a San Isidro.
Uno de los mejores carpaccios de salmón, según nuestro criterio, es el de Wok. Sin dejar de ser carpaccio, las tajadas son gruesas y su sabor es inigualable. Es saboreable, distinto de otros carpaccios transparentes, que desaparecen tan pronto entran en contacto con la boca.
De manera que, la mejor comida de mar en Bogotá, está dispersa en varios restaurantes. Estamos en mora de conocer las famosas muelas de cangrejo de Sipán. Expertos aseguran que pueden volverse adictivas

ARTE CONTEMPORANIO Y MODERNO

Europa abriga estos meses de verano de 2007 una coincidencia de muestras de arte actual que sólo se presenta cada diez años: La feria de Basilea (Art Basel), que se realizó durante una semana en Suiza extendiéndose hasta Agosto en internet en la página de Art Net, la Bienal de Venecia de arraigado abolengo en Italia, la Documenta 12 de Kassel (cada cinco años) y la de Proyectos de Escultura (cada década) en Münster, en Alemania. La industria y el mercado de arte internacional, con sus más destacados protagonistas, convergen entre el negociodel arte, la revisión de su
actualidad y las propuestas de futuro del arte.

La orientación fundamental de cada uno de estos eventos es diferente. El sistema de la feria es la selectiva, pero conglomerada, muestra de galerías exhibiendo sus artistas fuertes con la intención de venta aprovechando también la oportunidad que proporciona aparecer en la Bienal de Venecia, con la que se ensambla. Esta Bienal es un festival establecido principalmente desde pabellones nacionales. En pasadas ocasiones, México no mostró nada. Esta vez, la obra de Rafael Lozano Hemmer se presenta en el pabellón de México curada por Bárbara Perea y Priamo Lozada, quien ha fallecido accidentalmente en Italia. Lamentamos profundamente la pérdida de Priamo quien se involucró con entusiasmo en la conformación de Plataforma 06 en Puebla.
Priamo Lozada. Fallecido accidentalmente
en Junio en Italia. Descanse en Paz

La Bienal de Venecia se transforma en monumentalidad, persecución del espectáculo sensible en pugna por encumbrarse entre los 76 países participantes que muestran una versión, mayormente comercial, del estado del arte. La escultura en Münster está marcada con la intención de integrarse con el espacio urbano y son proyectos animados mayormente desde lo conceptual. El formato de la

Sophie Calle "Could not grasp death" Instalación dentro de la Bienal de Venecia
Documenta, sin embargo, no tiene restricciones y se modela de acuerdo a la forma que desea el organizador, quien convocó una reflexión teórica a través de 90 revistas de arte en todo el mundo como debate editorial previo sobre tres grandes cuestiones formuladas por la muestra: La modernidad, la educación y la vida y que se extenderá en tiempo y espacio con la muestra y los debates que se llevarán a cabo frente al público asistente. Las obras de la Documenta 12 promueven -y en cierto modo conectan con la Bienal en estos aspectos- la reflexión intelectual sobre la multiplicidad de la idea de la modernidad y su vigencia, la mortalidad y el compromiso ético de la vida fundado desde el arte. El arte actual, revisado por estos grandes eventos se asienta sobre la inquietud por lo social, la fragilidad humana y la complicidad con lo mediático. La oportunidad de visitar estas muestras se facilita con la vinculación de rutas, hoteles y billetes en el sitio de Internet: "www.grandtour2007.com"

Artistas dentro de la Documenta 12 de Kassel
Los cambios sociales y económicos acontecidos en el mundo condujeron a paulatinas transformaciones en las manifestaciones artísticas. Éstas fueron originadas desde la etapa de la Ilustración del siglo XVIII, más tarde desarrolladas por lo que se identifica como arte moderno, y

Peter Friedl. "Stuffed Giraffe" dentro de la Documenta 12
culminadas en el arte contemporáneo. Este término de "arte contemporáneo" identifica un amplio abanico de expresiones artísticas identificadas por el empleo inusual de materiales, exarcebación de lo conceptual, apelación a lo desagradable, resistencia al sistema social y político establecido, disolución de los géneros y activación del propio individuo como obra.

Sin embargo, se podría utilizar el término "arte contemporáneo" para referirse a toda práctica artística que se realiza en tiempo contemporáneo, el tiempo presente que compartimos. En la práctica, más allá de las referencias académicas, el personaje común concibe el arte moderno, el arte contemporáneo y el arte actual como sinónimos de un arte incomprensible y distanciado de su entorno vital. Tan lejos le quedan muchas obras de Matisse, como las de Picasso, las de

Protesta performance en la inauguración de Documenta 12
Pollock, las de Joseph Kosuth, Bruce Nauman, Julian Schnabel, Gabriel Orozco, Thomas Hirschhorn o Rirkrit Tiravanija. Todo lo que sucede en un espacio más allá del figurativo, o sensiblemente abstracto, resultan elucubraciones que no se conforman al gusto o preferencia estética popular. Y sin embargo, la tendencia de las prácticas visuales se dirige a la la inclusión de todas las modalidades de expresión visual en los lenguajes del arte. Así, puede apreciarse en la


Maaria Wirkkala "Landing prohibited" dentro de la Bienal de Venecia Ferrán Adriá, Chef catalán en Documenta 12
Bienal de Venecia con la inclusión del cómic de los africanos Eyoum Ngangue and Faustin Titi, o la cocina de Ferrán Adriá, chef catalán de reconocimiento internacional, en la Documenta de Kassel. En artículos anteriores he tratado esta situación abordando el panorama actual de la ilustración y el diseño: "Eclécticos ilustradores, artistas de la imagen" y "El diseñador actual en el dilema arte-diseño".


El Anatsui "Dusasa I" dentro de la Bienal de Venecia
Estas consideraciones no sólo corresponden sino incluso, más, se ajustan esencialmente, al contexto cultural de Puebla. Recientemente, las actividades de Plataforma 2006, llevadas a cabo entre Noviembre y Diciembre del año pasado, introdujeron un debate intenso acerca de la pertinencia del arte contemporáneo en Puebla. La agrupación de las manifestaciones creativas desde el ámbito tecnológico y planteamientos renovadores confrontaron la realidad sobre la capacidad de percepción y asimilación del arte contemporáneo -del arte actual- en la población común, y sirvió para poner a Puebla en el plano de atención de actividades museísticas contemporáneas. Y aún así, queda la suspicacia sobre la viabilidad del arte contemporáneo en Puebla.

El efecto del arte actual más propositivo (tanto conceptual como electrónico) en la población común es un desconcierto ante estructuras comunicativas alejadas de la imagen cotidiana o, al contrario, tan asimiladas que no son perceptiblemente diferentes; No le encuentran sentido. Y un conjunto de muestras de arte contemporáneo como lo fue Plataforma 06 no podía aspirar a modificar o transformar los planteamientos perceptivos o estéticos de este gran sector de la población de

Monica Sosnowska dentro de la Bienal de Venecia
Puebla que ha estado alejado de las expresiones más contemporáneas de las prácticas artísticas.

Emily Prince "Portraits of American Service Men died in Irak" dentro de la Bienal de Venecia
Por otro lado, el objetivo que una serie de exposiciones de primera línea estética se convirtieran en el motivo de un atractivo turístico cultural alimentó la colaboración de la iniciativa privada. Al menos, en eso sí, Plataforma 2006 movilizó energías y esperanzas con esfuerzos monetarios que se esperan mantengan el interés creciente hacia una ciudad que hasta ahora se parapetaba en su pasado colonial, distinción culinaria y en los valores tradicionales católicos. La chispa está puesta.

Thomas Hirschhorn Instalación en la exposición de Puebla
"Entre Patio y Jardín" de La Colección de Jumex
La Colección Jumex con su exposición "Entre Patio y Jardín", en la Galería de Arte Contemporáneo y Diseño de Puebla, ha tomado la iniciativa de colocar por primera vez una selección de su colección en Puebla. Inicia un itinerario por varios Estados, pero tiene Puebla como despegue sin haber sido expuesta antes en su espacio habitual de Ecatepec (Estado de México). Como decía, es el resultado palpable del esfuerzo por poner a Puebla en la mira de los recorridos importantes que pretenden hacer de la ciudad una visita obligada en combinación con los intereses arquitectónicos, gastronómicos y otros eventuales que se propongan; El visitante podrá aprovecharse de todo lo que Puebla ofrece.

ARTE ADSTRACTO

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.

Pintura abstracta

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

Escultura abstracta

A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.

Expresionismo abstracto

El expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.

Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.

El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.

Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.